閃電新聞
劉俊英
2026-02-09 11:47:26
一、數字的迷宮：西方藝術本體中的“137”與“37”
藝術，作為人類精神文明的結晶，其表達方式千變萬化，但總能在形式、結構和意義上找到共通的規律。在西方藝術的浩瀚星河中，數字扮演著至關重要的角色，它們不僅是度量的工具，更是構成主義、抽象藝術乃至整體審美體系的基石。“137”與“37”，這兩個數字，看似偶然，卻在西方藝術的發展史上留下了深刻的印記，引發了無數藝術家和理論家的探索與思考。
“137”這個數字，最常與“精細結構常數”（fine-structureconstant）聯系在一起，一個在物理學中扮演著核心角色的無量綱常數，其數值約為1/137.035999…。這個數字的出??現，不僅僅是物理學界的一樁奇事，它觸及了宇宙最基本的規律，并以一種近乎神秘的方式，滲透到了對形式和結構的敏感的藝術領域。
在西方藝術中，對秩序、比例和和諧的追求自古希臘時期便已奠定基礎。黃金分割比例（phi,φ≈1.618），在文藝復興時期被盧卡·帕西奧利在《神圣比例》中發揚光大，并被廣泛應用于繪畫、雕塑和建筑的構圖之中。雖然“137”與黃金分割并非直接關聯，但它所代表的“基本常數”的理念，與西方藝術對普適性、理性美的追求有著精神上的契合。
讓我們將目光投向抽象藝術的先驅者。康定斯基，這位被譽為“抽象藝術之父”的藝術家，其藝術理論中充滿了對色彩、線條和形式的數學化探索。他試圖通過純粹的視覺語言來表達精神世界的感受，而這種表達往往離不開對比例、節奏和構圖的精妙把握。雖然康定斯基并沒有明確提出“137”作為其創作的直接依據，但他的作品中對內在秩序和數學邏輯的強調，與“137”作為自然界基本常數的概念有著異曲同工之妙。
它代表著一種超越物質表象的、隱藏在事物背后的普適性規律，藝術家正是試圖通過自己的作品來揭示或重塑這種規律。
另一位值得關注的人物是美國藝術家索爾·勒維特（SolLeWitt），他被認為是極簡主義和概念藝術的代表??人物。勒維特的??作品常常以幾何形體、網格和排列為基礎，他的“觀念藝術”強調藝術的觀念優先于物質形態。在他的許多作品中，他會設定一系列精確的尺寸和規則，這些規則往往包含著數學上的邏輯和比例。
例如，他會創作一系列模塊化的立方體，并規定它們的尺寸關系。雖然“137”的精確數值可能不是他直接引用的??，但??他對嚴謹的數學結構和系統性創作的??推崇，使得“137”作為一種象征，代表了藝術創作中對精準、理性以及潛在宇宙規律的探求。
“37”這個數字，在西方藝術本體的語境下，其含義則更為復雜和多維度。它不??像“137”那樣直接與物理學的基本常數掛鉤，但卻能在多個層面引發聯想。我們可以從幾個角度來審視“37”在西方藝術中的潛在意義。
可以從象征意義的角度來解讀。“37”可以被視為一個“中間”或“過渡”的數字。在數字命理學或某些文化傳統中，數字的組合和意義會產生新的聯想。“3”常常代表著完整、穩定、神圣（例如三位一體），而“7”則具有神秘、精神、完美的含義。將它們組合成“37”，或許可以理解為一種“成熟的智慧”或“精神的升華”。
在藝術創作中，許多藝術家致力于探索人類的情感、精神狀態以及對生命意義的追問。“37”或許可以象征著一種成熟的、內省的藝術視角，一種對生命復雜性的深刻理解。
“37”也可以被看作是一個構圖中的“非整數”或“非典型”比例。在追求和諧與均衡的西方傳統藝術中，對稱、黃金分割等??被視為理想的比例。許多偉大的藝術作品恰恰是通過打破常規、引入不對稱或不完美的比例來創造出獨特的張力和視覺沖擊力。當藝術家有意或無意地在作品中運用“37”這樣一個比例關系，例如在畫面分割、人物間距或物體大小的對比??上，這可能是一種對傳統審美觀念的挑戰，一種對“不完美之美”的探索。
這種“不完美”反而可能賦予作品一種更為生動、真實，甚至帶有某種“人性化”的特質。
再次，我們還可以從技術和材料的角度來理解“37”。在某些特定的藝術技法或材料加工中，可能會出現與“37”相關的尺寸或比例。例如，在版畫制作中，版材的尺寸、油墨的配比，或者在織物藝術中，線材的粗??細、織物的??密度，都可能涉及到具體的數字。如果某個藝術家在某個特定時期，出于某種偶然或必然的因素，頻繁地在其作品中運用到與“37”相關的技術參數，那么“37”就可能成為其創作風格的一個潛在標識。
更有趣的是，我們可以將其與西方藝術史上某些具象的“37”聯系起來。比如，是否存在某位重要的藝術家，其作品中頻繁出現37個元素？或者，某個著名藝術流派，其核心理論中涉及到“37”？例如，如果某個構成??主義藝術家，在其分析構圖時，發現某幅作品的最佳比例可以用“37”來解釋，或者某位文藝復興大師在設計教堂時，其關鍵尺寸ratio恰好接近“37”，這些都可能成為“37”在藝術本??體中留下印記的線索。
“137”與“37”在西方藝術本體中的對比，并非是要找到一個簡單的、直接的對應關系。更重要的是，它們共同指向了藝術創??作中對“數”的感知和運用。無論是對宇宙基本規律的模仿，還是對數字象征意義的解讀，亦或是對非典型比例的探索，這些數字都在不同程度上影響著藝術的構成、形式和表達??。
它們像隱藏在畫布之下或雕塑內部的DNA，默默地塑造著藝術作品的肌理和靈魂，引發著觀者超越視覺表象的深層思考。
二、從理性秩序到感性表達：數字意象在西方藝術中的演進與對話
西方藝術的漫長歷史，是一部不斷探索形式與意義、理性與感性之間關系的宏大敘事。在這一過程中，“137”與“37”這類數字，雖然其表象意義可能不盡相同，但它們都曾作為藝術家手中的工具、理論家的思考對象，參與了這場關于“如何觀看”與“如何表達”的深刻對話。
這種數字意象的演進，從早期對精確比例和理性秩序的追求，逐漸轉向對數字背??后象征意義和情感張力的挖掘。
在西方藝術的源頭，對數學和幾何的崇拜??可見一斑。古希臘人將數學視為理解宇宙和諧與美的鑰匙。畢達哥拉斯學派對數與音樂、宇宙的關聯的探索，直接影響了后世的藝術理論。柏拉圖更是將“形式”置于物質之上，認為數學的比例和幾何圖形是通往真理世界的??階梯。文藝復興時期，達·芬奇、丟勒等藝術家，將數學原理融于繪畫和素描之中，追求嚴謹的透視法和黃金分割比例，以此來構建逼真、和諧且具有理想化美感的??畫面。
在這個階段，“137”這類數字，若被視為某種“基本規律”或“精準比例”的??象征，其意義便在于對客觀世界秩序的摹仿和對理性美的追求。藝術家們相信，通過精確的數學關系，便能抵達藝術的真理。
隨著藝術史的??發展，特別是現代主義的興起，藝術的重心逐漸從對客觀世界的模仿轉向對藝術家主觀情感和內在世界的表達。“137”所代表的“精細結構常數”的??現代科學意義，也為藝術家提供了新的思考角度。它不僅僅是物理世界的??常數，更可以被理解為一種“宇宙的秩序”或“潛藏的規律”。
當藝術家不再滿足于具象的描繪，而是轉向抽象的表達時，他們對“137”的理解也可能發生轉變。它可能不??再是具體的比??例，而是象征著一種深刻的、普遍存在的結構性原則，藝術家試圖在作品中捕捉和再現這種原則，即使這種捕捉是模糊的、象征性的。
構成主義藝術家，如馬列維奇和蒙德里安，將抽象的幾何形體推向極致，追求純粹的視覺語言。他們對基本形狀（點、線、面）和色彩的運用，以及它們之間的關系，都蘊含著對秩序和平衡的探索。雖然他們可能沒有直接以“137”為創作標尺，但他們對畫面內在結構的??數學化分析，以及對“普遍和諧”的追求，與“137”所象征的“基本常數”有著精神上的呼應。
他們試圖通過最簡單的元素，構建起一種超越經驗的、純粹的視覺秩序，這或許正是“137”所代表的那種簡潔而深刻的本質。
相較于“137”所蘊含的理性、結構和普遍性，“37”在藝術本體中的意義則更偏向于感性、象征和偶然性。當藝術家將“37”置于畫面構圖、色彩搭配或敘事結構之中時，其目的可能并非追求科學的精確性，而是為了引發特定的情感共鳴或象征性聯想。
“37”作為一個由“3”和“7”組成的數字，可能承載著更豐富的文化象征意義。在西方文化中，“3”常常與神圣、完整、和諧相關，而“7”則與神秘、完美、幸運相聯系。兩者結合的“37”，可能被賦予“成熟的??智慧”、“精神的啟迪”等含義。一位藝術家在創作中巧妙地運用“37”這一意象，可能是在暗示作品中蘊含著某種深刻的哲理，或是試圖引導觀眾進入一種更深層次的精神體驗。
例如，一幅描繪人生旅途的畫作，將關鍵節點設置在與“37”相關的比例上，可能暗示著人生某個重要的轉折點或成熟階段。
“37”也可能代表著一種“非標準”的比例或構圖。在追求視覺沖擊力和獨特美學的過程中，藝術家常常會故意打破常規。例如，在畫面分割時，不采用經典的??二分法或黃金分割，而是選擇一種看似隨意但卻能創造出??獨特空間感和戲劇性效果的比例，而這個比例可能恰好與“37”相關。
這種“不完美”或“非典型”的比例，反而能夠打破觀者的審美定勢，帶來一種新鮮的視覺感受，甚至引發對“什么是美”的重新思考。
例如，在印象派及后印象派的作品中，藝術家們開始更加關注光影的瞬間變??化和主觀感受的捕捉。他們對色彩的運用更加大膽，對構圖的安排也更加自由。在這個時期，如果某位藝術家在描繪人群的場景時，恰好捕捉到了37個動態的人物瞬間，或者在風景畫中，通過色彩的冷暖對比，營造出一種與“37”數字相關的視覺節奏，那么“37”便成為了一種帶有藝術家個人印記的、感性化的符號。
當代的藝術創作，更是打破了學科界限，模糊了理性與感性、科學與哲學的界限。“137”與“37”這類數字，不再僅僅是形式上的參數，而是可能被藝術家賦予更加多元化的意義。一位藝術家可能從物理學中汲取靈感，將“137”視為宇宙的奧秘；另一位則可能從符號學或心理學出發，賦予“37”一種特定的情感或象征內涵。
“137”與“37”在西方藝術本體中的對比，呈現出的是一種從理性秩序的構建到感性表達的演進，以及兩者之間不斷進行的對話。前者代表著對普適性、客觀規律的探求，后者則更多地指向了主觀體驗、象征意義和個體創造。正是這種從精確到象征，從普遍到個體的跨越，使得西方藝術在保持其結構性的嚴謹性的也充滿了無限的想象空間和情感深度。
這兩個數字，無論是作為隱藏的基石，還是顯現的符號，都在共同訴說著西方藝術本體的豐富性與復雜性，以及人類對形式、意義和宇宙的永恒追問。
